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domenica 8 novembre 2026

Scrubs fa 10. Il medical drama dei Millennials al rispolvero

 


Scrubs. L'empatia non va in pensione

La caduta del titano, il confronto fra Millennials e generazione Z, la responsabilità di chi cura. Un ritorno al Sacred Heart fra crepuscolarità e comicità un po' meno cattiva.

di Luigi Starace

C'è un certo senso di crepuscolarità nel ritorno di Scrubs. Si percepisce, attraversa gli episodi, compare nei volti dei protagonisti, nei rapporti fra loro, persino nel modo di costruire le gag. Non è soltanto l'effetto del tempo trascorso. È qualcosa che riguarda la narrazione e, più precisamente, il modello di relazioni sul quale quella narrazione si era costruita.

La decima stagione riprende un arco narrativo interrotto da circa sedici anni, dopo una nona stagione che aveva cercato di rappresentare un passaggio e, forse, una chiusura. Un tentativo non particolarmente riuscito, almeno rispetto all'efficacia delle prime otto stagioni.

La nuova serie recupera J.D., Turk, Elliot, Cox e gli altri, ma li colloca in una posizione diversa. Non sono più i giovani medici che cercano di affermarsi all'interno di una struttura professionale già definita. Sono diventati loro stessi parte di quella struttura. Alcuni ne sono i responsabili, dirigono servizi, assumono decisioni, formano gli altri.

E gli altri sono arrivati.

Sono i nuovi specializzandi, la generazione Z, con linguaggi, comportamenti, aspettative e rappresentazioni della professione differenti da quelle dei Millennials che avevamo conosciuto all'inizio della serie.

Il confronto è inevitabile, ma non produce esattamente lo scontro che ci si potrebbe aspettare. Dopo una prima fase di incomprensioni, di apparenti conflitti e reciproci spaesamenti, le due generazioni finiscono per trovare una modalità cooperativa.




Cooperativa, ma non cooptante

È una distinzione interessante.

Nelle prime otto stagioni la cooptazione sembrava essere la strategia vincente. Il giovane medico entrava in un sistema, ne subiva le regole, imparava a riconoscere l'autorità e, progressivamente, cercava di diventare parte di quel mondo. Magari conservando qualche eccentricità personale, purché non mettesse troppo in discussione l'organizzazione.

Il sistema educativo era spesso brutale, paternalistico, qualche volta apertamente umiliante. Ma funzionava, almeno dal punto di vista del risultato.

La nuova stagione sembra prendere le distanze da quel modello. Non è più necessario che i nuovi arrivati diventino una copia, magari aggiornata, dei medici che li hanno preceduti. La cooperazione richiede un reciproco adattamento, un riconoscimento delle differenze, senza che queste debbano necessariamente essere assorbite o neutralizzate.

Una condizione coerente con lo Zeitgeist dei nostri tempi e che riguarda, evidentemente, non soltanto gli ospedali.

L'esempio di Scrubs potrebbe essere applicato a qualsiasi organizzazione nella quale le persone non semplicemente lavorano insieme, ma sono obbligate a farlo per raggiungere una finalità convergente. Il gruppo non è un'opzione. È la condizione stessa del lavoro.

E quando il gruppo è inevitabile, la qualità delle relazioni diventa qualcosa di più di una questione di buona educazione.






Cox, la caduta del titano immaginato

I vecchi modelli di leadership tornano in scena, ma appaiono oggi più pittoreschi che realmente proponibili.

Il caso più evidente è quello del dottor Perry Cox.

Nelle prime stagioni Cox era il rappresentante quasi caricaturale di un'autorità fondata sulla competenza, sulla capacità decisionale, sul sarcasmo e su una forma di aggressività relazionale che sarebbe interessante sottoporre a una valutazione contemporanea dei rischi psicosociali sul lavoro.

Probabilmente ne uscirebbe malissimo.

Eppure Cox funzionava. Funzionava come personaggio e, nella logica della serie, funzionava anche come medico e formatore. La sua leadership era continuamente messa alla berlina, ma conservava una capacità operativa che rendeva difficile liquidarla come semplicemente disfunzionale.

Oggi Cox ritorna quasi come un vestigio.

Una presenza che continua ad abitare soprattutto le fantasie dei protagonisti senior, i quali cercano ancora in lui un riferimento, una motivazione, una legittimazione. In realtà cercano forse soprattutto uno specchio.

La malattia di Cox introduce poi una componente ulteriore, quasi una caduta del titano. Il simbolo dell'autorità si sfilaccia, perde progressivamente quella compattezza che lo rendeva apparentemente invulnerabile.

Il medico diventa paziente.

Non è una situazione particolarmente originale nella storia dei medical drama, ma nel caso di Cox assume un valore specifico, perché a essere messo in discussione non è soltanto il professionista. È il modello di potere che quel professionista ha rappresentato per anni.

E il passaggio di testimone diventa un curioso non-passaggio che finisce per essere, proprio per questo, un passaggio.

Cox non consegna ai suoi ex allievi una leadership già confezionata. Sono loro, diventati nel frattempo responsabili e dirigenti, a doversi confrontare con ciò che rimane di quella esperienza, con quello che hanno imparato e, possibilmente, con quello che sarebbe opportuno non ripetere.

Il maestro continua a esserci, ma non può più essere utilizzato come alibi.

La crepuscolarità della serie passa anche da qui. Dalla consapevolezza che il tempo non ha semplicemente modificato i ruoli: ha cambiato il significato stesso di quei ruoli.

L'identità non ha una specializzazione definitiva

C'è un'altra questione che attraversa questo ritorno.

I protagonisti hanno acquisito competenze, responsabilità, riconoscimenti. Sono professionisti affermati. Eppure continuano a cercare conferme, a confrontarsi con immagini ideali di sé stessi, a utilizzare gli altri per misurare quanto valgono e quanto sono diventati ciò che desideravano essere.

Una ricerca identitaria che continua a ogni età.

È un meccanismo tipicamente da commedia. L'individuo cerca fuori di sé una risposta che probabilmente dovrebbe cercare soprattutto dentro di sé, e nel frattempo produce una quantità considerevole di equivoci, malintesi, fantasie e situazioni ridicole.

Scrubs ha sempre funzionato molto bene su questo piano.

La professionalità non annulla l'insicurezza personale. Anzi, in alcuni casi offre strumenti assai più sofisticati per mascherarla.

Il giovane J.D. cercava continuamente il riconoscimento di Cox. Il J.D. adulto potrebbe anche averlo ottenuto, ma questo non significa che abbia smesso di cercarlo.

E nel frattempo è arrivata una nuova generazione che non sembra particolarmente interessata a ripetere lo stesso percorso.





Engagement, commitment e altri problemi che non si curano con un organigramma

La serie offre anche lo spunto per una riflessione sulla cultura organizzativa, soprattutto statunitense, e su due concetti ampiamente utilizzati nel linguaggio della gestione del lavoro: engagement e commitment.

Non mi riferisco semplicemente alla partecipazione alle attività o alla capacità di svolgere correttamente il proprio compito.

Quella c'è, e nella maggior parte dei casi è anche di qualità.

Il problema è un altro: quanto ci si sente realmente parte di ciò che si fa? Quanto ci si investe? Fino a che punto si assume una responsabilità che non coincide necessariamente con quella prevista dal contratto, dall'incarico o dall'organigramma?

I protagonisti sono bravi medici, ma la competenza non risolve automaticamente il problema del coinvolgimento.

Si può essere tecnicamente impeccabili e scarsamente presenti nelle relazioni. Si possono dirigere servizi senza assumere pienamente la responsabilità delle persone che vi lavorano. Si possono rispettare procedure, protocolli e obiettivi organizzativi senza interrogarsi troppo sul senso complessivo di quello che si sta facendo.

La questione riguarda soprattutto chi è diventato classe dirigente, quella generazione di quarantenni e cinquantenni che si trova oggi a occupare posizioni di responsabilità dopo essersi formata in sistemi professionali spesso molto differenti.

Non si tratta più soltanto di una responsabilità scientifica o operativa.

C'è una dimensione etica della professione che sembra essere stata progressivamente sistemata nella dépendance di un grande edificio.

Una grande villa, piena di stanze e di cose, di arredi, attrezzature e soprammobili. Tutto apparentemente utile, indispensabile, perfettamente collocato.

Poi arriva un momento di difficoltà e ci si accorge che buona parte di quegli oggetti è superflua.

Tanti soprammobili, ma nessun tavolo sul quale pensare.

Per sfamare occorre andare in cucina. Occorre sporcarsi le mani, ricominciare a cucinare.

Cucinare che cosa?

I propri problemi irrisolti, le proprie idiosincrasie, le assenze, le decisioni che forse avrebbero dovuto essere prese e non sono state prese. Le responsabilità lasciate sospese, magari nella convinzione che prima o poi qualcun altro se ne sarebbe occupato.

Anche questa è una forma di passaggio generazionale. Forse quella meno comoda.



L'empatia, ancora lei

Dopo aver giocato con il confronto generazionale, dopo aver messo alla berlina i nuovi e i vecchi modelli di leadership, Scrubs ritorna al suo tema principale: l'empatia.

La dimensione empatica rimane il centro delle gag, dei conflitti, degli episodi. È il meccanismo attraverso il quale i personaggi finiscono per incontrarsi, qualche volta comprendersi e non necessariamente risolversi.

Qui, tuttavia, il nuovo Scrubs mostra anche qualche cedimento.

Nelle prime stagioni l'empatia emergeva spesso in modo imprevedibile, attraverso improvvise interruzioni del registro comico, cambiamenti di tono, situazioni nelle quali lo spettatore si ritrovava coinvolto emotivamente quasi senza accorgersene.

Adesso il meccanismo è più esplicito, più narrativo, talvolta perfino didascalico.

Un po' come quando qualcuno racconta una barzelletta e poi sente il bisogno di spiegarla.

Non sempre il risultato è altrettanto efficace.

Ma l'empatia rimane il senso dell'intera costruzione narrativa e, probabilmente, una delle ragioni per cui Scrubs continua a essere una delle migliori commedie mediche della televisione.

Non tanto per ciò che insegna sulla medicina, quanto per ciò che permette di osservare intorno alla medicina.

Il non verbale del vivere un reparto, l'essere presenti in una situazione clinica, il rapporto con i colleghi, con i pazienti, con chi svolge funzioni di tutela o di caregiving.

Ci sono aspetti della professione sanitaria che difficilmente possono essere trasmessi attraverso una lezione frontale o una procedura.

E Scrubs, con tutte le sue improbabilità, continua a rappresentarli con una notevole efficacia.

Ridere con il malato

Un aspetto che vale la pena sottolineare riguarda proprio l'oggetto della comicità.

In Scrubs si ride prevalentemente delle vite personali dei protagonisti, delle loro fantasie, delle loro debolezze, delle loro idiosincrasie.

Il malato, almeno nei momenti migliori della serie, non è il bersaglio della comicità.

Semmai si ride con il malato.

Una differenza che può sembrare sottile, ma non lo è affatto.

Nelle diverse stagioni ci sono scene memorabili e anche molto commoventi, nelle quali la relazione con il paziente diventa il punto di rottura del registro comico.

Non mancano naturalmente stereotipi, situazioni discutibili e rappresentazioni che oggi potrebbero essere considerate stigmatizzanti.

Ma la struttura fondamentale della serie rimane quella di una comicità che utilizza le contraddizioni di chi cura assai più della vulnerabilità di chi viene curato.

E questo, per una commedia ambientata in ospedale, non è un dettaglio.





 



La comicità ha perso qualche dente

Se c'è un elemento che manca nella nuova stagione, è una certa dose di umorismo nero.

Manca il sarcasmo più graffiante, quello a tratti sadico, che aveva caratterizzato buona parte della serie originale.

Il nuovo Scrubs sembra essersi adeguato alla sensibilità contemporanea, a un clima culturale più attento alla rappresentazione delle differenze, a quello che viene spesso ricondotto, qualche volta impropriamente, al politically correct o alla cosiddetta cultura woke.

È interessante che la serie ne sia consapevole e, in alcuni momenti, finisca persino per autocitarsi, prendendo le distanze da comportamenti e situazioni delle stagioni precedenti.

Vecchie gag, rapporti camerateschi, dinamiche di potere, comportamenti che potevano risultare stigmatizzanti o dileggianti vengono richiamati come ricordi di una cultura professionale ormai superata.

Il problema è che, insieme a quelle dinamiche, sembra essersi un po' attenuato anche il graffio della comicità.

Non è necessario rimpiangere l'umiliazione come tecnica di formazione professionale, né trasformare il sarcasmo in un diritto acquisito a offendere.

Ma la comicità, quando diventa eccessivamente preoccupata di spiegare le proprie intenzioni, rischia di perdere una parte della propria efficacia.

La battuta può diventare prevedibile, la trasgressione addomesticata, l'ironia una specie di dispositivo di sicurezza che interviene per avvertire lo spettatore che nessuno intende davvero offendere nessuno.

Il vecchio Cox, probabilmente, avrebbe avuto qualcosa da dire.

E non sarebbe stato particolarmente gentile.





Scrubs come strumento di riflessione di gruppo

Al di là dell'intrattenimento, questa nuova stagione offre parecchi spunti per chi utilizza il cinema e la serialità televisiva come strumenti di riflessione, formazione e cineterapia.

Il confronto generazionale, la leadership, la cooptazione, l'empatia, il rapporto fra competenza e responsabilità, la difficoltà di assumere un ruolo senza identificarsi completamente con esso: sono tutte questioni che possono essere affrontate attraverso una visione condivisa.

Non necessariamente in ambito sanitario.

Scrubs racconta un ospedale, ma parla anche del funzionamento dei gruppi, delle organizzazioni e delle relazioni professionali.

Naturalmente, con gli studenti di medicina, gli specializzandi, gli infermieri e gli altri professionisti sanitari, il materiale diventa particolarmente interessante.

La serie permette di discutere situazioni che nella pratica professionale vengono spesso vissute senza essere realmente elaborate.

Si può discutere di un conflitto senza dover immediatamente identificare un colpevole, osservare una leadership disfunzionale senza trasformare il confronto in una valutazione personale, riconoscere situazioni familiari senza essere obbligati a dichiarare quanto ci assomiglino.

La distanza offerta dalla finzione televisiva può aiutare.

E il ricorso alla comicità, quando funziona, rende possibile affrontare questioni che in altri contesti rischierebbero di trasformarsi rapidamente in una riunione di servizio.

Con tutti i risultati che conosciamo.



Avevamo davvero bisogno di un nuovo Scrubs?

Probabilmente sì. Non necessariamente per nostalgia, né perché ci fosse qualche questione narrativa rimasta in sospeso da sedici anni.

La decima stagione riesce a rimettere in circolazione situazioni, personaggi e meccanismi comici che sembravano aver esaurito la loro funzione. Qualche ingranaggio cigola, l'umorismo nero si è parecchio addomesticato e certe gag arrivano accompagnate dalle istruzioni per l'uso.

Ma Scrubs continua a funzionare.

Il suo crepuscolarismo, poi, non deve trarre in inganno. Non siamo necessariamente al canto del cigno. Anzi, considerando la prosecuzione della serie, sarebbe forse più corretto leggere questa stagione come la prima parte di un più ampio arco narrativo, anziché come un capitolo isolato.

Il che lascia sperare che ci siano ancora questioni da affrontare e, possibilmente, qualcosa di meno educato su cui ridere.

Dopo oltre vent'anni di storia televisiva, Scrubs rimane un potentissimo strumento di intrattenimento, comicità e autoriflessione. Come la buona comicità dovrebbe essere, senza bisogno di spiegare continuamente perché.

Diagnosi di dimissione

Condizioni generali soddisfacenti. Qualche fisiologico acciacco narrativo, un certo indebolimento del sarcasmo e sporadici episodi di didascalismo empatico.

Funzioni comiche conservate. Quadro crepuscolare da tenere sotto osservazione.

Prognosi favorevole.

Prescrizione: proseguire la visione, possibilmente in compagnia. Particolarmente indicata per professionisti sanitari, dirigenti, formatori e altre categorie esposte alla convinzione di sapere già come si lavora in gruppo.

Controllo consigliato alla prossima stagione.

Nessuna controindicazione particolare, salvo eventuale intolleranza alla comicità intelligente.


Ah dimenticavo : esiste un wikipedia solo su Scrubs https://scrubs.fandom.com/wiki/Main_Page





Cinemadonia — Vedere è Pensare, Pensare è Vedere.

lunedì 17 luglio 2023

giovedì 6 maggio 2021

Mazinger Edition Z- The impact [2009] reinventa la narrazione dell'anime

 Mazinger Edition Z - The Impact reinventa la narrazione del piu famoso anime di Go Nagai. E' una serie di 26 episodi che sperimenta dinamiche narrative molto frequenti nelle serie tv, tentando di proporre un anime che possa interessare sia i più giovani (è sempre un 16+) sia i consumati estimatori del genere robot contro l'apocalisse di turno. 



 L'uso dei feedback, l'intreccio delle storie in cui si avvicendano colpi di scena e cambi di campo su un immaginario scacchiere per l'acquisizione del potere energetico assoluto della energia fotonica, la riuscita capacità di intessere giochi di specchi e inganni fra i protagonisti rendono la serie non facile di prima assimilazione e non per tutti i palati. La digestione visiva è superlativa, con qualità e cromatismi capaci di risaltare sugli schermi di ultima generazione in modo molto generoso. Non mancano i momenti comici o le allusioni sessuali da sempre caratterizzanti gli anime e la presenza di tanti personaggi secondari arricchisce la trama e la narrazione che altrimenti risulterebbe banale come le vecchie serie originali. 



La riflessione sulle potenzialità della tecnologia ma soprattutto della scienza intesa come massimo sapere cui l'uomo può attingere sono sempre un fulcro intorno al quale viene costruita la narrazione, non difforme da tanti altri anime. L'uso pacifico della energia del futuro è sempre auspicato. 

Altro tema caro alle anime giapponesi è la conflittualità familiare. Mazinger Edition Z non si sottrae, mostrando cambi di prospettive a seconda dei protagonisti. Cosi come il bene e il male sono offerti in chiave non moralistica ma come posizioni in opposizione necessarie al conflitto, cosi le azioni dei vari membri della famiglia Kabuto, ideatrice della costruzione del robottone, assumono nella lettura generale della trama, svelata solo nel finale, una valenza diversa.  Non mancano momenti di dialogo interiore dei protagonisti e antagonisti, resi con maggiore spessore e questo è un altro espediente preso dalle serie tv non animate. Il dualismo su più livelli del malvagio barone Ashura si presta a più livelli di decodifica a seconda dell'età dello spettatore.



La mitologia infine viene usata di rinforzo alla narrazione, fondendo il mito e il mecca, il passato e il futuro, il divino e il meccanico riuscendo a dare nuovo slancio all'universo alternativo di Mazinger Edition Z. Del rapporto fra Mazinga Z e Zeus lasciamo la scoperta agli spettatori. Non c'è una continuity con le storie antecedenti questa serie reinventa alcuni personaggi, lasciando il ruolo fisso dell'eroe a Koji Kabuto, come sempre.

La serie progredisce in modo non lineare e compie dei balzi narrativi colmati solo nei prosieguo degli episodi.  Difficile che risulti appassionante per un pubblico giovanissimo.

lunedì 16 novembre 2020

Rintocchi di Clessidra di Alessandro Del Gaudio a cura di Gordiano Lupi

Alessandro Del Gaudio lo conosco dai tempi de Il candore dei ciliegi, sarà stato il 2000, lui aveva 26 anni, io 40. Siamo invecchiati entrambi in questo mondo letterario che fagocita sogni e ambizioni, che redige scale di valore inattendibili e che ti fa smarrire la cosa più importante: la voglia di scrivere. Per fortuna Del Gaudio l’ha mantenuta, ma resta un peccato che un romanzo originale come Rintocchi di clessidra esca come autoproduzione, quando le librerie sono ricolme di spazzatura su carta, illeggibile, promossa a piene mani dal sistema mediatico. 

Discorsi vecchi, che facevo vent’anni fa, che sono costretto a ripetere, visto che la situazione è persino peggiorata dai tempi di Quasi quasi faccio anch’io un corso di scrittura (Stampa Alternativa). Rintocchi di clessidra è un romanzo costruito su racconti - per la precisione otto e un epilogo - ma il filo conduttore è la narrazione di raccordo composta da Nivolet, un narratore fantastico che scrive storie da un palazzo al centro dei mondi, racconti che messi su carta subito dopo vengono scordati.

 

Le storie del narratore protagonista sono importanti, scorrono come rintocchi di clessidra, sono le ultime storie da scrivere che dovranno risvegliare Esterel da un sonno eterno. Il dato di partenza è fantastico, così come sono soprannaturali molte ambientazioni, dotate di una doppia chiave interpretativa che passa dal realistico al soprannaturale. In ogni caso il lettore di fantasy troverà pane per i suoi denti, tra torri siderali, spazi interstellari, maghi, giocattoli soprannaturali, penne prese in prestito ad ali di corvi per scrivere storie prive di lieto fine, capitani coraggiosi e ciurme di surreali pirati. 


Lo stile di Del Gaudio è maturo e consapevole, ben strutturati i dialoghi, descrizioni come morbide pennellate, suspense narrativa dosata a dovere, costruzione letteraria che risente di letture importanti, da Borges a Calvino. Rintocchi di clessidra è la dimostrazione di come si possa fare letteratura partendo dal genere, senza tradire il rispetto per il lettore che attende una storia avvincente. Rintocchi di clessidra ne contiene nove.

Il tuo nome è un’altra opera interessante di Del Gaudio, edita da Sereture Edizioni di Varese, nel 2015, che ho avuto modo di apprezzare. Qui siamo nel territorio della narrativa sentimentale, con l’originale trovata di alternare un capitolo in prosa a una poesia d’amore. Un romanzo struggente e delicato che racconta una storia d’amore incompreso, un cuore che batte per una donna che di cognome fa follia e che resta solo un fantasma della notte, di un’altra notte in cui poterla sognare.

Provateli entrambi. Non ve ne pentirete.

Gordiano Lupi


Per acquistare Rintocchi di clessidra:

https://www.amazon.it/Rintocchi-Clessidra-Alessandro-Del-Gaudio/dp/B08KWQ28ZT/ref=sxts_sxwds-bia-wc-p13n1_0?cv_ct_cx=rintocchi+di+clessidra&dchild=1&keywords=rintocchi+di+clessidra&pd_rd_i=B08KWQ28ZT&pd_rd_r=aef699b7-7cdd-494d-a0ae-fd6736950f7e&pd_rd_w=0ESCN&pd_rd_wg=Y2B4X&pf_rd_p=85da2d5e-2dc8-4556-b752-0fa4457c4b69&pf_rd_r=PZG694NXJR324BDV90H8&psc=1&qid=1605181912&sr=1-1-82924ca5-d5c8-45d1-a40c-360835499ae5

martedì 10 novembre 2020

#recensione Volevo essere un superiore della Marvel

 

Matsuteia ed E.T.A. Egeskov
Volevo essere un supereroe della Marvel – vol. 1



Un agile volumetto che non pretende di essere esaustivo, solo di raccogliere una serie di curiosità sui supereroi degli universi Marvel - che sono davvero tanti (quasi 1000!) tra buoni e cattivi (persino più affascinanti) -, anche perché ci sono già molti saggi specifici che contengono di tutto sulla Casa delle Idee. 


Sono un fan della Marvel dal 1970, dal giorno in cui fui affascinato in edicola da L’Uomo Ragno contro Lizard, Editoriale Corno, subito dopo essere stato irretito da Mentre la città dorme, protagonista il Devil dal costume giallo e nero di Stan Lee e Wallace Wood. Confesso che leggo Marvel ancora oggi, certo solo i personaggi classici, cose nuove come Venom e Deadpool (che i ragazzi amano) un po’ mi disturbano, riesco ad apprezzare poco persino un grande disegnatore come Todd Mc Farlaine, cresciuto come sono a Ditko e Romita, per me il massimo di modernità restano Kane, Kirby e Buscema. Non solo, mi capita di vivere come un tradimento certe trasposizioni cinematografiche di Spider Man, soprattutto le ultime, mentre ho apprezzato molto il cartone animato di Sara Pichelli con il nuovo Uomo Ragno di colore (Miles Morales). Detto questo veniamo al libro, un piccolo e prezioso manuale che in certi casi dice cose che un appassionato conosce, ma in altri fa compiere vere e proprie scoperte al vecchio lettore. 


Per esempio mi è servito a capire che il nuovo Nick Fury cinematografico è il figlio di quello che leggevo negli anni Settanta. Poi fa piacere rileggere anche quel che sappiamo, trovarlo sistemato in maniera ordinata, come la storia su Spider Man che l’editore Martin Goodman proprio non voleva pubblicare: Chi vuoi che si appassioni alle vicende di un uomo con i poteri di un ragno? Per fortuna ebbe ragione la testardaggine di Stan Lee. 


L’Uomo Ragno conta versioni da romanzo grafico strepitose, vera letteratura a fumetti, oltre a una serie regolare che - tra alti e bassi - resiste in edicola dal 1962. Gli autori del libro raccontano lo sbarco Marvel in Italia, al quale ho assistito in prima persona, negli anni Settanta, prima su Linus (grande Oreste Del Buono, quasi mio compaesano!), poi su Sergente Fury (possiedo molti numeri), infine con la mitica Corno. I due autori non dimenticano le vicende moderne con Star Comics e Play Press, per poi parlare di Panini unica depositaria del verbo Marvel. Il libro analizza la continuity - fenomeno che rende diversa e unica la Marvel -, i cross-over, il primo eroe omosessuale, gli autori che hanno fatto la storia, i problemi con il Comics Code per la troppa attualità dei racconti (droga, razzismo, Vietnam …). 


Una sezione finale è riservata agli attori dei film che hanno impersonato gli eroi Marvel, importante per rendere il tutto più attuale e appetibile per i fan contemporanei. Per quel che mi riguarda resto legato al passato, al profumo di quella carta colorata della Corno, che oggi ritrovo - come una madeleine proustiana - nella collezione da edicola Super Eroi Classic, edita dal Gruppo  Rizzoli in collaborazione con Panini. Per chi ancora non conosce la Marvel questo piccolo libro è una vera e proprio guida virgiliana in un paradiso fantastico che noi ragazzini nati negli anni Sessanta abbiamo vissuto desiderando tutti trasformarci in Super Eroi Marvel!  


Gordiano Lupi


Per acquistare il libro: https://www.amazon.it/dp/B0865BNNV5/

mercoledì 4 novembre 2020

Il dottor Stranamore secondo Davide Magnisi


Il dottor Stranamore scava nell’età dell’ansia del cinema americano, quando la paura del nemico comunista produsse una serie di film con al centro l’incubo della bomba atomica. Alcune pellicole della prima metà degli anni Sessanta sconvolsero le coscienze mostrando come l’avvenire del pianeta fosse tra i pulsanti e le esplosioni di una tecnologia dal complesso sistema di controllo, dietro il furore delle ideologie. Kubrick rappresenta tutto questo senza pontificare o filosofeggiare, ma audacemente mettendo in scena l’ultimo capitolo della nostra commedia umana: un’immensa, sardonica, irriverente e tragica risata sull’assurdità di una razza così indaffarata a realizzare, con accanimento spesso geniale, la propria distruzione.

Tutto su un film potrebbe essere il motto di questa nuova collana di Edizioni Il Foglio, dedicata al grande cinema che ha segnato non solo la storia di un’arte, ma anche stagioni della nostra esistenza, visioni personali e collettive depositate in una memoria che ritorna per immagini ed emozioni. Sono libri per approfondire singoli film, per meglio conoscere gli aspetti segreti e nascosti di un’opera, ma anche atti d’amore per il cinema, il piacere di essere messi a parte di una passione, condividerla. Penetrare intimamente nel corpo di un film, fino quasi a provare l’illusione di riviverne la creazione, la visione, quel che accade dopo. Sentire l’effetto cinema attraverso la lettura, restare nel suo universo ed essere curiosi delle connessioni con gli altri linguaggi. E allora non si poteva cominciare meglio questa collana che con Il dottor Stranamore, il più esplosivo film di uno dei più matericamente visionari registi della storia del cinema: Stanley Kubrick. Un’irriverente rappresentazione della guerra fredda, quando l’avvenire del pianeta sembrava tra le mani di politici e militari sempre sull’orlo di una terza guerra mondiale, tra bombe atomiche, pulsanti e valigette di una tecnologia dal complesso sistema di controllo dietro il furore delle ideologie. 


Kubrick racconta tutto questo come se mettesse in scena l’ultimo capitolo della nostra commedia umana: un’immensa, sardonica, tragica risata sull’assurdità di una razza così incredibilmente indaffarata a realizzare, con accanimento spesso geniale, la propria distruzione. (Davide Magnisi)

 

 

Davide Magnisi, docente e critico cinematografico, ha collaborato con quotidiani, riviste, siti internet e rassegne cinematografiche. Ha pubblicato un volume su Stanley Kubrick (Gli orizzonti del cinema di Stanley Kubrick, 2003), due su Fernando di Leo (Di Leo calibro 9, 2017; Il cinema di Fernando di Leo, 2017) uno su Sam Mendes (Sam Mendes. Da Shakespeare a Bond, 2018) e uno su Ruggero Deodato (Cannibal Ballad, 2019), oltre ad aver preso parte a numerosi libri collettanei (Cineasti di Puglia, 2006-2007; 10 – Il cinema di Sergio Rubini, 2011; Riccardo Cucciolla, 2012; Il cinema di Domenico Paolella, 2014). Membro del Sindacato Nazionale Critici Cinematografici Italiani e della Fipresci, è stato più volte giurato in festival del cinema internazionali.


Autore: Davide Magnisi

Titolo: Il dottor Stranamore, ovvero: come ho imparato a non preoccuparmi e ad amare la bomba

Pagine: 126

Formato 15x21

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Collana “I film del foglio”

giovedì 29 ottobre 2020

FAREASTREAM: scopri la TOP FIVE dei titoli più visti



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La prima piattaforma italiana di cinema asiatico, FAREASTREAM, compie una settimana. E gli abbonati non hanno certo perso tempo: centinaia di clic, centinaia di visualizzazioni, e una TOP FIVE che, tra blockbuster e grandi classici, rispecchia perfettamente lo spirito del progetto!   


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1°- A TAXI DRIVER di Jang Hun

La mente corre a De Niro e Scorsese, certo, ma questa non è la New York degli anni ‘70: è la Seul degli anni ‘80. Jang Hun ci fa salire su un taxi e ci (ri)porta nel buio di Gwangju, dove sta per esplodere la grande rivolta popolare contro la dittatura di Chun Doo-hwan. Dieci giorni di lotta, dieci giorni di feroce repressione. Il 18 maggio 1980 rappresenta ancora una ferita aperta, nel cuore della Corea, e i DODICI MILIONI DI SPETTATORI che hanno applaudito A TAXI DRIVER lo dimostrano. Blockbuster o inno civile? Un inno civile che parla il linguaggio del blockbuster, affidandosi (tra lacrime, risate, azione) al gigantesco SONG KANG-HO: il pupillo di Bong Joon-ho da MEMORIE DI UN ASSASSINO a PARASITE.

Notorious, ovvero: come imparai a non preoccuparmi e ad amare il cinema:  CULT - Viaggio a Tokyo di Yasujirō Ozu, film drammatico che parla di  distanze e di rapporti familiari che si

2°- VIAGGIO A TOKYO di Ozu Yasujiro

Per fare visita ai figli, due anziani genitori si spostano nella capitale dalla piccola città giapponese di Onomichi. Nonostante le dichiarazioni d’affetto, però, il primogenito Koichi e la sorella Shige non hanno tempo (né troppa voglia) di occuparsi di loro. Soltanto l’ex nuora Noriko, moglie di un terzo figlio disperso in guerra, li tratterà con dolcezza sincera… Incoronato MIGLIOR FILM DELLA STORIA da 350 registi di tutto il mondo, VIAGGIO A TOKYO è l’icona stessa del CINEMA GENTILE del sommo maestro OZU. Una storia semplice che diventa parabola sulle stagioni della vita. Una cronaca familiare venata d’amarezza, ed estremamente raffinata sul piano visivo, che resta per sempre negli occhi e nell’anima. La versione è quella restaurata dalla Shochiku.  


Ultimo film visto? - pagina 424

3°- CASTAWAY ON THE MOON di Lee Hae-jun

“E ora qualcosa di completamente diverso”: CASTAWAY ON THE MOON, l’ormai leggendario ASSO PIGLIATUTTO del FEFF12 (si portò a casa l’Audience Award, con una media-voto vertiginosa, e anche il bacio accademico degli accreditati Black Dragon)! Una commedia davvero unica nel suo genere, buffa e poetica, dolce e surreale, che i FAREASTERS della prima ora saranno sicuramente felici di riapplaudire e che i NEWCOMERS dovranno TASSATIVAMENTE recuperare! Un'occhiata alla trama? È la storia di due bizzarre solitudini che s’incontrano: quella dell’impassibile signor Kim, suicida fallito e moderno Robinson Crusoe su una delle isolette selvagge del fiume Han che attraversa la città di Seul, e quella della signorina Kim, una bella hikikomori in eremitaggio nella propria stanza e connessa al mondo attraverso il web…


Confessions - di Tetsuya Nakashima (2010) | JAMovie

4°- CONFESSIONS di Nakashima Tetsuya

Premiato al FEFF nel 2011 e attraversato da una colonna sonora che spazia da Bach a “Last Flowers” dei Radiohead, ecco il SUPER CULT giapponese di cui si è perdutamente innamorato MICHAEL MANN (“Un capolavoro assoluto”)! Horror? Thriller? Revenge movie? Dramma psicologico? Le catalogazioni sono tutte valide e tutte superflue, perché CONFESSIONS travalica i generi facendosi pura narrazione: il racconto, struggente e glaciale, di un omicidio e di una vendetta che diventa il racconto, feroce e spiazzante, di troppe vite bruciate... Nakashima Tetsuya, padre talentuoso di KAMIKAZE GIRLS e MEMORIES OF MATSUKO, firma un’opera d’arte che riempie gli occhi di grande cinema e non fa prigionieri.


AsianWorld.it on Twitter: "#subs "Beasts Clawing at Straws" di Kim Yong-hoon,  Corea del Sud, 2020, Commedia nera. #sottotitoli Link:  https://t.co/H1KdLadrfp… https://t.co/hKEiLarHfW"


5°- BEASTS CLAWLING AT STRAWS di Kim Yong-hoon

Quattro disperati, una dark lady sbucata dall’inferno (o dagli immediati dintorni), una borsa traboccante di soldi e un dosaggio colossale di KARMA per tutti: ecco gli ingranaggi che muovono, con implacabile e beffarda precisione, questo bellissimo (nerissimo) PULP. Un divertente minuetto di sangue e di coltelli, di umorismo e di cinismo, di flashback e di flashforward, dove la smania di denaro porta clamorosamente sfiga e dove l’unica regola è NON FIDARSI MAI DI NESSUNO. L’esordiente Kim Yong-hoon dirige con mano felice il suo stesso adattamento del romanzo d’origine e ci regala, oltre al film-rivelazione dell’ultimo FEFF  (menzione speciale della Giuria dei GELSI BIANCHI), una folgorante JEON DO-YEON: mai così cattiva, mai così irresistibile!




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