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L’ultimo film di Spielberg ha scontentato un po’ tutti. Illogico, senza continuity, prevedibile, ridondante.
Se la chiave di lettura, una fra le tante, fosse quella di osservare il film come un’allucinazione della bambina protagonista atta a recuperare la figura di un padre lontano e indifferente ?
Certo non è il primo film di presunta science-fiction del regista, né la prima volta che parla di famiglia…

ntroduzione

"Volevo rendere questo film simile ad un prisma, in cui ognuno può vedere una sfaccettatura diversa. Quindi ho cercato di renderlo più aperto possibile all'interpretazione [..] ho messo insieme tanti elementi, in modo che ognuno possa avere la sua opinione."
(Spielberg per intervista a La Repubblica )

Gli artisti sono il limite di loro stessi. Dopo l’apice entrano in ridondanza.

Non tutti però. Alcuni smettono mentre fra gli altri, quelli che continuano, i più coscienti ( o prudenti ) realizzano le opere successive come "variazioni sul tema". In buona fede si potrebbe pensare che idea che fa botteghino non si cambia, sarebbe anche semplice in fondo. Inoltre aggiungere qualcosa di originale nelle opere successive sarebbe sempre più difficile perciò il prodotto proposto sostanzialmente non cambia.

Invece con malizia ( analitica ? ) si potrebbe pensare che il core, il nucleo caldo sia ancora scoperto e che l’artista senta ancora il bisogno di esporlo. Per raffreddarlo, consegnarlo, permettere che venga scoperto ?

Non è cosi importante appurarlo invero, o almeno non così primario, urgente come il produrlo.

Tale è l’opera , non quale l’artista.

La science-fiction e il regista

Ma cosa è per Spielberg la fantascienza:

"La fantascienza è una vacanza che mi tiene lontano da tutte le regole della logica narrativa. E' una vacanza dalla fisica di base. Ti permette di lasciarti alle spalle tutte le imposizioni e di volare. Noi, come esseri umani, non possiamo volare e invidiamo gli uccelli per questo. Io invidio Tom Cruise perché pilota aeroplani e jet mentre io non posso farlo, ho troppa paura. Per la maggior parte di noi, la fantascienza è l'unica possibilità di volare veramente. E' per questo che amo tanto questo genere e ci ritorno sempre, perché non dà limiti all'immaginazione. La sfida, in questo caso, è stata quella di far sembrare comunque credibile il film. Sia io che David Copp, lo sceneggiatore, abbiamo fatto in modo di far sembrare i personaggi più reali e normali possibile. Detto questo, la fantascienza rappresenta per i registi una grande fuga." ? (intervista per La Repubblica)

La fantascienza dei film di Spielberg è "magica". Per questo scontenta i puristi del genere e in fondo un po’ annoia. Se ci fosse altro sotto però ?

" A parte i problemi di originalità, a volte le vicende sono tanto forzate e innaturali da sfiorare il ridicolo. Avrebbero dovuto intitolare il film "Una Serie di Fortunati Eventi" (tanto per rifarsi al titolo di un recente film tratto dai libri di Lemony Snickets): l’eroe di turno e la sua famiglia non vengono scalfiti nemmeno dalla più drammatica delle catastrofi. Per una serie di fortunate coincidenze la famiglia Ferrier è l’unica a trovare un’automobile. E si tratta di un'auto magica, visto che riesce magicamente a passare senza intoppi attraverso un fittissimo ingorgo autostradale e riesce a restare illesa anche quando viene parcheggiata di fianco ad un quartiere e ad una abitazione che rimangono quasi completamente distrutti. ". Daniele Toninelli

"La mia vera natura ha voluto che facessi 'E.T.' e 'Incontri ravvicinati del terzo tipo', ma lo spettatore che è in me ha sempre voluto fare 'La Guerra dei Mondi'. Cosa c'è di più elettrizzante di una guerra tra la razza umana e gli extraterrestri?". Spielberg

" Spielberg non si accontenta della fine degli invasori alieni rovinando quel poco che restava da rovinare chiudendo il film con un quadretto di famiglia, viva e vegeta fino alla terza generazione grazie a chissà quale miracolo, che più che portare sollievo fa urlare di rabbia lo spettatore. Già ci siamo dovuti bere il fatto che gli alieni siano venuti sulla Terra senza prendere le più elementari precauzioni chimico-batteriologiche (potevamo bercela ai tempi di Wells, nel 2005 è ben più difficile), ma il lieto fine a tutti i costi, riconciliazione padre/figlio compresa, è stato davvero troppo. " Silvio Sosio.

I tempi di narrazione sono quelli di un bambino, lo spazio e gli oggetti propri degli adulti.

Invero Spielberg è ormai un veterano della dissimulazione del significante narrativo: usare la fantascienza o la fantasia per poter parlare in sfondo della famiglia, o meglio del suo modello medio borghese "american way of life" ( un uomo deve fare cio’ che un uomo deve fare, il coraggio ma non a sfondo catartico proveniente dall’amore-incontro-scoperta dei figli o il ritrovsamento del prorpio status di figlio )

To tell the truth molta della produzione western dagli anni 30 ai 50 era imperneata di tematiche e conflitti a forte caratterizzazione edipica. Ciò è tanto vero che il Leone d’oro di quest’anno, a distanza di 50 anni dall’epoca d’oro del far west, l’ha vinto il regista Ang Lee ( lo stesso di Hulk e La tigre e il dragone ) con un film sui cow-boy gay (Brokeback Mountain )

Spielberg trasla dal latte del far west alla via lattea del so far far away. I fuorilegge braccati e agognanti il Messico nascosti dai figli dei braccanti ( e quindi oggetto di sfida verso le pre-generazioni ) per esempio,diventano alieni maldestri che provano a fare una collect call ( chiamata a carico del destinatario ) su Alpha Centauri e affini, capaci tuttavia di realizzare ( garantendo questa volta una gratifica preclusa ai loro omotetici in bianco e nero ) i piccoli sogni rompi monotonia dei figli, come volare con la bici al chiaro di luna . Non è quindi solo un finale meno mortifero a far meritare l’etichetta di ottimista al nostro cineasta. Qualcuno a lui vicino si spingerà anche oltre, ribaltando le posizioni, non solo giustificando la ribellione figliare bensì innalzandola a crociata contro l’abisso, il lato oscuro. Figli cosi forti o impauriti dalla realtà che è possibile accettare ma non assimilare:

- Luke! Io sono tuo padre —

Luke Skywalker, capace di interagire autonomamente con La Forza cosmica, sente che è la verità, che quello è suo padre, ma preferisce lasciarsi cadere dentro un lungo tunnel terminante nel vuoto più che seguirlo. Guerre Stellari: a volte non c’è spazio più lontano della stanza affianco. Dall’ottimismo all’autonomia di un figlio, di una generazione, come si comprende bene dalle parole di Walter Murch ( montatore da tre Oscar ) parlando di Lucas: " Così si disse: okay, se è troppo scomodo politicamente come soggetto attuale, trasferirò la storia altrove e la farò accadere in una galassia lontana nel tempo e nello spazio. I Ribelli sono i nordvietnamiti e L’Impero gli Stati Uniti. E se possiedi la Forza, non importa quanto sei piccolo, puoi sconfiggere il grande potere oppressivo." Guerre Stellari è la versione di George Lucas di Apcalypse Now." ( Il cinema e l’arte del montaggio )

Illuminante, no ?

Una considerazione gruppale

Un film o una serie di film dello stesso regista permettono più che l’etichettatura del singolo artista, una collocazione antropologica del filtrato-lavoro nel background sociale di riferimento. Escludendo la funzione filtro ( alfa in termini bioniani ) del cineasta e focalizzando non sul "perché" ma sul "come" i piani di interpretazione si moltiplicano, consentendo, nella riflessione psicodinamica della interfaccia artista-opera—spettatori, l’emergere dele realtà gruppali inconscie, determinanti, oltre alla maestria talentosa della troupe, il successo del film. Inquadrabile apparentemente in un assunto di base bioniano di attacco-fuga La Guerra dei due mondi non ha riscosso il successo sperato in Europa ( eppure Walsh, lo scrittore del romanzo anti colonialista da cui i film sono stati tratti e i vampiri sono forieri di copyright europeo ). Di fatto, per il modo in cui il nemico è debellato la meta trama è riconducibile all’assunto di base di dipendenza: i nemici sono sconfitti dal sangue infetto che risucchiano e da un elemento invisibile agli uomini, il microbo. Anche la voce narrante in epilogo sentenziante che : " Nessuna morte è vana " mi induce ad affermarlo. C’è di fatto il miracolo ed è ciò che anche lo spettatore in sala mormora umoristicamente.

La filmografia spielberghiana, la ricorrenza.

- Sci-fi:

1977-Incontri ravvicinati del terzo tipo: un gruppo eterogeneo di persone riceve l’incipit da entità extra terrestri per un monte su cui sbarcheranno. Il protagonista abbandona tutto per arrivarci compresi moglie e figli che gli danno dello strambo. Riunirà nel close encounter, tanto da venir adottato dagli alieni e andar via con loro dopo una metamorfosi ad acta

1982-ET: un alieno simpatico viene protetto da un gruppo di ragazzini in bici. Cucciolo perso nella periferia della Via Lattea tra cuccioli della provincia americana saprà meravigliarli e grazie al loro aiuto-protezione tornerà a casa.

2001-AI: dopo millenni solo NY rimane a documentare i nostri giorni e nel profondo di quello che era l’Atlantico gli esseri oblunghi e iridescenti del Futuro trovano il pinocchio-androide addormentato mentre era alla ricerca della mamma-fata turchina. Potranno grazie alla tecnologia fargli rivivere il passato e finalmente potrà festeggiare il suo compleanno "in famiglia" ( film nato da un plot imbastito da Kubrick in cui il finale da mezzora è totalmente spielberghiano ).

2002-Minority Report: Sempre un Tom Cruise tormentato per la perdita della sua famiglia e intento ad evitare che altri soffrano per omicidi futuri ( i futuri criminali sono arrestati nel presente prima che commettano il crimine ).

- Non sci-fi :

1991-Hook: Peter Pan non riesce a staccarsi dal cellulare e il figlio si lascia adottare da Uncino. Per riconquistarlo il satirello volante dovrà tornare a fare scherzi da prete, pardon, da peter-pan, essere accettato dagli altri marmocchi e mostrare il suo coraggio in duello. Non volava perché non fantasticava più. Uncino seduce il figlio di peter grazie al baseball…

1997-Salvate il soldato Rayan: una dozzina di soldati viene mandata in missione (suicida) dietro le linne nemiche per recuperare dopo lo sbarco in Normandia il quarto figlio arruolato, paracadutista disperso, e unico ancora in vita. Mamma America non vuole che una mamma del missisipi pianga ancora. Inutile dire che è l’unico a salvarsi, dalle brutture della guerra e dalla morte.

Insomma condita con salse diverse ma la pietanza dal sapore quasi winnicottiano sembrerebbe esserci e lo stesso regista nell’ intervista già citata ammette che non è lui quello capace di far film "disperati". Sarà vero, ma la miopia c’è…

Contesto famigliare

Che il vero nucleo narrativo del film sia la famiglia, con tutte le difficoltà che comporta metterle in scena qualcuno se n’è accorto :

Spielberg fa leva, esattamente come in molti temevamo, sui sentimenti più epidermici e deteriori, riducendo il tutto a un apologo moraleggiante sulla ritrovata unità familiare di fronte alle avversità. Malgrado in varie interviste dai toni trionfalistici e autocelebrativi il "più grande regista della storia del cinema" (permettetemi di dissentire ) abbia dichiarato il contrario, c’è soltanto un vaghissimo accenno alla verità proclamata da Wells, cioè la lotta per la sopravvivenza di due razze .Massimo Manganelli

Parlare di rapporti familiari per un regista, in genere, non è una passeggiata:

" …I vissuti personali del regista lo inducono ad adottare un atteggiamento prudente.Egli preferisce non proporre una " terapia familiare " che inevitabilmente lo farebbe entrare in risonanza con la propria famiglia d’origine o con quella acquisita. Le problematiche familiari, pur presenti nei vari film, vengono affrontate con l’utilizzo di un piccolo espediente. La famiglia viene smembrata, frazionata in tanti sottosistemi e l’attenzione focalizzata su alcune diadi …" ( L’analista in celluloide, Ignazio Senatore )

Tom Cruise conferma che è una tattica vincente:

" Adoro il modo in cui Steven Spielberg affronta il concetto di famiglia nei suoi film "

La Trama del film

Protagonista del film si chiama Ray Ferrier, lavora come operaio specializzato nei cantieri navali del New Jersey, è un padre separato inaffidabile e un po' sbruffone incaricato di passare con i due figli il classico week-end dove, in ossequio alla legge di Murphy, tutto ciò che può andar male lo farà. Dopo le prime anomalie atmosferiche - miriadi di fulmini che cadono nello stesso posto senza alcun tuono -, il buon Ray s'imbatte con stupefatto terrore in un oggetto non identificato che affiora dal suolo stradale ed inizia a polverizzare la folla circostante senza pietà di sorta. Da quando la minaccia si manifesta in tutta la sua gravità il padre irresponsabile tenterà d'impegnarsi al meglio per far continuare a respirare due rampolli che lo sopportano a malapena, e nel tentativo non si risparmierà nessuna furbata di sorta. L'avanzata inarrestabile dei tentacolari tripodi extraterrestri proseguirà in un'escalation di panico, colorandosi di inedite tinte vampiresche durante l'incontro della famiglia in fuga con un superstite ormai ottenebrato dalla sindrome della resistenza a tutti costi.

L’ allucinazione della bambina, una proposta di lettura

A mio avviso uno dei metatesti possibili de La Guerra dei Mondi è proprio quello del sogno immaginario della bambina figlia del protagonista.

Sulla base della mia esperienza personale in casa famiglia per minori in affido non trovo insolito che la figura paterna assente o indifferente al bambino sia idealizzata fino alla onnipotenza.

Non potrebbe allora accadere che una bambina "ricodifichi" tutto il mondo circostante per poter assimilare e metabolizzare un padre che seppur umano sembri vivere su un pianeta lontano ( come sembra lontano, ma non lo è il New Jersey da Boston ) ?

"Nel bimbo n on c’è disitinzione tra rappresentazione, degli oggetti reali, e affetto: l’affetto si rivela quale primo prodotto mentale, e come tale entra a far parte ,determinante, delle incipienti capacità rappresentazionali. Gli oggetti che il bimbo si rappresenta sono mutevoli e, per noi, confusi: un oggetto può al contempo essere anche un altro. Ciò si evidenzia nel disegno spontaneo dei bambini. Possono disegnare un affare strano che conteporaneamente è un albero, ma anche un cane; e per loro è contemporaneamente tutti e due. Bisogna essere a contatto col bambino, per entrare dentro questo suo mododi vedere: non si può chidergli " Cosa hai disegnato ?", perché allora lui ci risponderà in termini compiacenti alla nostra struttura adulta. (Imbasciati-Fondamenti psicoanalitici della psicologia clinica)

C’è il viaggio alla fine del quale tutto è risolto e il tripode è attaccabile non perché il suo campo di forza è stato forzato o annullato ma perché il suo abitante-manovratore è malato.

Gli Altri di Altrove sono impercettibili come fantasmi e come tali scendono dal cielo, ma ingombranti come angoscie essi emergono dal sottosuolo terrorizzando e dissolvendo letteralmente gli adulti. Eppure diventano totalmente digeribili e assimilabili in sembianze e atteggiamenti ( guardano foto, girano la ruota della bici… ) agli occhi della bambina protagonista.

Gli alieni sembrano avere un atteggiamento persecutorio nei confronti dei due fuggitivi, padre e figlia, soprattutto quando questi si credono al sicuro, rintanati nello scantinato. Di fatti gli alieni tornano più volte ad ispezionare lo scantinato fino a scovare gli umani. ( altra lettura: vengono scoperti dopo che il padre aveva soppresso il suo opposto ed è quindi costretto ad affrontare i mostri più grandi. Non ci riesce e la figlia urlante ( ma è una costante nel film) e tutt’altro che paralizzata dal terrore ( sono proprio queste le scene in cui, dall'inquadratura e dal taglio di ripresa, evincerebbe che è la bambina il fulcro, l’occhio immobile del ciclone ) viene catturata. Al padre non resta che farsi catturare compiendo l’atto catartico del sacrificio, cui seguirà, senza che il neo eroe l’abbia voluto (deus ex machina) la distruzione del tripode, dal suo interno. Gli uomini prigionieri in cesti giganti saranno di nuovo liberi e senza un graffio dopo un volo di 10 metri.

L’unica figura femminile adulta del film è una amica di papà e sembra anche simpatica. Peccato non riesca a seguirlo mentre stanno salendo su un traghetto-salvatore.

Non ci riuscirà metà della gente presente sulla riva. Ma la trama non volge al cinismo e anche il battello salvatore viene affondato. Riescono a salvarsi in pochi…

Nella scena del battello emerge l’altruismo del fratello maggiore e ancora l’impotenza del padre. Nel nodo narrativo successivo il figlio si separa dal padre per unirsi all’esercito in lotta. E’ una separazione strana per i canoni hollywoodiani: non c’è ne investitura ne attrito. L’addio viene interrotto dalle urla della bimba, raccolta da altri e quasi potata via per la distrazione paterna, o per le eccessive( ? ) attenzioni date al figlio. Non c’è addio fra i fratelli, ne la bimba accennerà alla cosa in seguito.

Le scene ambientate nello scantinato a detta di diversi critici sono accessorie e non necessarie al plot, ma come da studi sugli effetti del cinema negli spettatori ( schermi violenti- Imbasciati ) le parti considerate più " brutte " sono anche le più ricche di spunti al dibattito. Ecco dunque che osservando ancora questa sequenza si nota che la bambina è l’unica a vedere le sembianze degli alieni che scendono giù in perlustrazione: il padre e lo sconosciuto lottano, in silenzio fra loro per un fucile. Il viso della bambina viene inquadrato in primo piano: l’occhio che spia da una fessura gli Altri è illuminato, quello rivolto ai due adulti che lottano è in ombra. E’ libera di vedere ora, mentre per tutto il film il padre le aveva vietato di guardare sia i tripodi giganti sia la distruzione intorno ripetendole " tieni gli occhi su di me" . La bimba osserva gli alieni curiosare maldestramente fra foto di famiglia e biciclette : nessun orrore ( gli alieni hanno abitudini vampiresche ) e il clima di suspence si stempera in Gianni e Pinotto.

Per un cinefilo, ma non solo, un tale cambio di climax è inaccettabile. Per un bimbo, no…

Per tutto il film il padre si oppone alla violenza mostrata : prima lascia cadere la pistola per poter riavere la figlia bloccata in macchina, poi cerca in tutti i modi di evitare che il figlio maggiore vada a combattere i mostri, di seguito blocca lo sconosciuto prima che spari ad un alieno. Risulta paradossale allora che decida di strangolare lo sconosciuto perché rumoroso quando basterebbe imbavagliarlo. Lui non vorrebbe ma è per "salvare la bambina" ( gli alieni sono ipersensibili ai suoni e possono rintracciarli facilmente ).

Chiude gli occhi e tappa le orecchie della piccola, va nell’altra stanza e ritorna dopo un paio di minuti. Lo sconosciuto,guerrafondaio paranoico e primitivo , l’opposto del padre, quello che si era anche offerto di badare alla bimba se il genitore fosse perito non c’è più, non compare più. Possono dormire tranquilli ora. Ma un grosso occhio spia alieno li scova comunque: al padre ora tocca affrontare , dopo il suo opposto nello scantinato, il grande tripode, vampiro e persecutore, in scalfibile…in campo aperto. Un altro "se stesso" da affrontare ?

Dopo la distruzione fortuita ( una serie di granate innescate senza la volontà del padre ) del tripode i due raggiungono sani e salvi la città in cui vive la madre. Termina il viaggio: la città è sicura, non è stata distrutta pur essendo invasa.

E’ qui che un ‘altra invisibilità si concretizza: i batteri ammorbano gli alieni, ma questo si scoprirà solo dopo e solo grazie all’epilogo del narratore. Il padre ha in braccio la figlia, è protettore ormai, non più indifferente a lei e alle sue allergie. E’ lui a scoprire e indicare ai militari che il campo di forza introno ai mostri di acciaio non c’è più. Migliaia di militari guardinghi ma non sagaci, si direbbe. E’ fatta i mostri sono attaccabili. E’ vittoria. E’ anche felicità perché tutti sono vivi e raccolti nella casa materna, anche il fratello maggiore scampato ad un’esplosione devastante.

La grande invasione, la grande paura capace di muovere — commuovere gli adulti…

Solitudine più isolamento uguale allucinazione ?

 di infanti reali. Una proposta di lettura del film "La guerra dei mondi"

Luigi Starace

Manfredonia – E’ una bella giornata di sole autunnale e Siponto in questo periodo, in una anonima domenica di fine ottobre, appare ancora più radiosa. Raggiungiamo Fernando Muraca nel suo albergo; ci accoglie con un sorriso, manipolando fra le mani uno strano aggeggio color piombo: “E’ un antistress che mi ha regalato mio figlio” commenta. Di lì a poco avrei notato che non ne avrebbe fatto largo uso, perlomeno in nostra presenza: “buon segno” penso fra me e me, vuol dire che non lo stiamo annoiando.

Partiamo dal film, perché La Terra dei Santi, perché Manfredonia? “Sono cinque anni che lavoro a questo film, ho iniziato con la collaborazione di Monica Zapelli, sceneggiatrice de “I cento passi”. La trama vede protagoniste tre donne, un giudice, la moglie di un boss e sua sorella. Il film che parla di ‘ndrangheta non vuole raccontare tanto i traffici e le gesta di questa organizzazione ma vuole dare una visione antropologica del fenomeno: perché una donna meridionale che darebbe la vita per il proprio figlio, decide ad un certo punto di “donarlo” all’organizzazione mafiosa? Il film doveva essere girato in Calabria ma lì abbiamo trovato le porte chiuse, qui in Puglia invece avete una bella realtà, l’Apulia Film Commission accoglie e sponsorizza molto volentieri progetti di questo genere, così abbiamo trovato terreno fertile per la realizzazione del progetto. La scelta di Manfredonia è stata dettata da una ragione molto semplice: morfologicamente la vostra città assomiglia molto a Vibo Valentia, dove sono nato. Manfredonia con il suo paesaggio, il mare, il promontorio garganico mi ricorda molto i luoghi dove ho trascorso la mia infanzia e dove è ambientato il film”.

A parte le similitudini morfologiche, cosa accomuna noi manfredoniani agli abitanti di Vibo Valentia, dal punto di vista antropologico? “Tutte le popolazioni meridionali sono accomunate da una grande sofferenza, quella di vivere in territori che sono sottoposti ad una grande violenza che si chiama mafia, che impedisce loro di esercitare appieno la propria libertà. Nelle nostre città, non siamo pari, c’è chi ha più libertà di intraprendere e c’è chi invece deve rendere conto ad altri per mettere a frutto i propri talenti. In Calabria, Sicilia, Campania, Puglia le mafie hanno il loro quartier generale che poi diffonde i suoi tentacoli in tutta Europa. Il sistema mafioso si sostituisce allo Stato, garantendo ai propri affilati sicurezza e divenendo, in un certo senso, un sistema di collocamento a tal punto che, come dicevo, anche le donne sono portate in modo acritico ad accettarne le regole immolando i propri figli”.

Parliamo di Fernando Muraca, quando nasce la sua vocazione? “La mia storia di professionista del cinema è legata alle mie scelte di vita. Non ho mai avuto questo sogno da bambino, è capitato. Ho imparato fin da piccolo a mettere a frutto i miei talenti, sono convinto che se compi questo esercizio progettualmente alla fine questo porta alla piena realizzazione dei propri sogni. Stavo girando il mio primo cortometraggio, ad un certo punto dovevo riprendere il volto della protagonista, mentre giravo mi sono reso conto che non mi vedevo più, ero completamente immerso nell’attimo presente. Questo ha provocato in me una gioia immensa, di piena realizzazione, così ho pensato: se questa cosa mi rende così felice vuol dire che questa è la mia vocazione”.

C’è stato qualche momento in particolare nella sua vita durante il quale avrebbe preferito mollare tutto e fare un passo indietro? “Il mondo del cinema, si sa, ha delle dinamiche molto complesse, è dura, e a volte i tempi non sono maturi per accogliere e apprezzare il tuo lavoro. Sì, ho attraversato un momento di sofferenza molto particolare, è difficile capire cosa fare quando finalmente sei riuscito a realizzare il sogno della tua vita (diventare regista ndr) e sei convinto di aver realizzato un buon prodotto che però viene rifiutato in tutti i festival in cui lo presenti. E’ quello che è capitato a me; non riuscivo a capire perché il mio film veniva rifiutato ovunque lo presentassi anche se si trattava di un buon lavoro. In quel momento di crisi sono stato spinto ad andare avanti, mi ha aiutato molto la fede, il mio rapporto epistolare con Chiara Lubich (fondatrice e leader del Movimento dei Focolari), conclusione se non avessi perseverato e avessi abbandonato tutto, ora non sarei qui. Cinque anni più tardi, lo stesso film ha riscosso un successo non indifferente. Semplicemente quando lo avevo presentato la prima volta la critica e il pubblico non erano pronti ad accoglierlo. Nel nostro lavoro a volte accade di anticipare i tempi, bisogna solo saper aspettare”.

So che lei ha una grande fede, come si può riuscire nel mondo di oggi, a trasmettere il volto di Dio attraverso un film? “L’uomo è un essere dotato di interiorità, a questa cosa ognuno di noi dà un nome, c’è chi la riferisce a Dio, chi ad un’altra entità. Io ho ricevuto una formazione cristiana, sono nato in Calabria e qui l’essere cristiano è qualcosa di naturale. Quindi il fatto di essere cristiano è prima di tutto legato a questo. Mi identifico nei valori della famiglia, dell’amicizia, dell’accoglienza che secondo me sono alla base di ogni comunità sociale e questo non può essere ininfluente nelle mie opere. Cerco di immettere nelle mie opere un senso spirituale, qualcosa che rimandi a qualcos’altro che non vediamo e che non si può descrivere. Quando racconto le storie, cerco l’uomo e Gesù è l’uomo. Dio è nelle persone che incontro, nei miei collaboratori, nei miei personaggi. Essere credente significa provare un amore sconfinato per l’uomo”.

 75^ edizione della Mostra del Cinema, il Premio della Critica SIC (Sindacato Critici Cinematografici) quest’anno è stato assegnato al documentario Still Recording di Saeed Al Batal e Ghiath Ayoub (Siria).

Non lo trovate nè sulla pubblicazione della settimana della Critica ne sul programma perché aggiunto dopo, un last minute vincente visti i risultati e umanamente molto significativo.

Il docufilm siriano copre gli anni 2011_2014 e racconta la vita dei giovani siriani, i registi e i loro amici. Alcuni diventano cecchini, altri continuano ad allenarsi atleticamente sotto le bombe dei mig, altri pensano che con la pace potranno fare i musicisti. Nel frattempo la storia come la si è vista dai telegiornali internazionali, la guerra civile e lo smantellamento di un popolo nobile e ricco.

Still recording
Il lavoro è stato girato quasi tutto in presa diretta, 450 ore di vita filmate in una nazione in cui il benessere è finito di colpo e le olive diventano più essenziali della tecnologia che c’è e anche tanta. Un contesto che invita alla riflessione profonda sul mondo e sui filtri della informazione. Non ci sono buoni o cattivi ma solo sopravvissuti in Still Recording, tutti con un profondo desiderio di rimanere in Siria e non diventare profughi. Un film crudo ma che picchia molto di più sui pre-giudizi dello spettatore, non siriano. La dimostrazione che la videocamera sa essere più risolutiva di un fucile.

Far Conoscere attraverso il cinema contesti che facilmente si etichettano e sintetizzano con etichette è uno dei compiti nobili del cinema (il primo rimane quello di far ridere)

Still Recording
Luigi Starace, Cinemadonia.it

Creare. Tirare una linea nera. Processo irreversibile. Di seguito compaiono anche le linee bianche. La linea iniziale è divenuta un corso d'eventi. Quelli che appaiono, quelli che si desiderano, quelli cha si sa vedere. Poi si cambia foglio. Bianco ...

Hanno cercato in tanti di descrivere cosa succede, quando si guarda un film. Altri ne hanno descritto le interrelazioni fra mente del regista e quella dello spettatore, rifoderando la psico-dinamica di qualunque matrice col vellutino da cinema d'essai. Sembrava ci fossero solo i Gabbard (Cinema e psichiatria, 1999) Glen e Krin, dimenticando i lavori pionieristici di Metz (Cinema e psicoanalisi, 1977) e Grossini (Cinema e follia: stati di psicopatologia sullo schermo, 1984), Christian e Giancarlo. Una rondine Musatti (Cinema e psicoanalisi, 1950), non fa tendenza, si diceva...

Ora La mente altrove rivela uno staffi. tutto nostrano, tutto attento, tutto accurato. Già una prima riflessione si impone. La geografia fa notare le diverse provenienze. Superato anche il provincialismo. In più i saggisti provengono da aree diverse del sapere: medicina, psicologia, filosofia, cinematografia. Diversità anche nella disciplina portante, la psicoanalisi, come sottolinea Andrea Sabbadini nell'introduzione, a vanto di un lavoro che immaginiamo faticoso e costante, da quando, cioè, l'associazione Psiche e Immagine si è formata, a metà degli anni novanta. Il libro nasce dopo dieci anni, frugando già dalle prime pagine il primo dei dubbi: era necessario? 

Ancora una riflessione campanilistica, prima di sviscerare meglio il manufatto. Nelle prossime edizioni dell'European Psychoanalytic Film Festival, di cui Sabbadini è padre, non ci saranno molti contributi italiani. Non per esclusione, anzi, per evitare un'abbondanza. Perché lasciarci sfuggire, allora, tutto questo patrimonio culturale e non curarcene? Perché aspettare che sia sempre qualcun altro oltralpe od oltremare a scoprirlo e valorizzarlo? Anche questa "cattiva" abitudine italiana è fugata da La mente altrove. 

C'è di più. In pochi anni, la situazione editoriale si è ribaltata e così si è scritto tanto, troppo, forse sulle relazioni fra cinema mondo della psiche: basta consultare un elenco da librerie on line per contare ormai circa una cinquantina di titoli a tema. La mente altrove risponde implicitamente e intelligentemente ad una devastante domanda che, alla Lubrano, nascerebbe spontanea: 

"Ma cos'altro c'è da dire su psiche e cinema? "

La mente altrove, se fosse un film, sarebbe uno di quelli in cui il finale è mostrato nel prologo. Resta da capire come ci si arrivi. Il viaggio, temuto etereo, fra il non ancora capito e il cos'altro non ancora detto si concretizza man mano. 
Non si è obbligati a seguire le orme dei saggi brevi e paradossalmente la libertà di non aderenza fa compiere il cambio di prospettiva ricercato. Che il cinema sia cinema e non altro dal cinema rimane, infatti, un'affermazione del tutto opinabile. Radente ai percorsi già scoperti e acclarati ma non identico: lavorare di cesello è un'arte difficile. 
Non mancano saggi di trattazione (ormai) classica sulla rappresentazione dello psichiatra, dello psicoanalista o della malattia stessa, con citazioni mai banali e capaci di incuriosire anche i più smaliziati. Luigi Pavan (La psichiatria attraverso il cinema) offre, con una panoramica degli studiosi, una riflessione sulla psichiatria e i film che la ritraggono a vario titolo, insieme ad una ricca cronologia dei film, passando anche per i dimenticati Risi (Diario di una schizofrenica ) e Mann (Manhunter, frammenti di un omicidio ). Termina con un'accurata carrellata sul suicidio. 
Massimo De Mari (Il cinema e la psicoanalisi) descrive lo stato dell'arte della relationship psiche-cinema approfondendo l'analisi sul lavoro di Gabbard (la semplicità espositiva, per i non addetti ai lavori, un valore aggiunto di questo saggio).
Articoli di mediazione clinica risultano quello di Simona Argentieri (Prigionieri del passato: la nevrosi si guerra nella rappresentazione cinematografica) sugli shock bellici e in cui si parla del cinema di guerra non senza ironia e quello di Riccardo Dalle Luche (Cinema e delirio), che affronta l'esperienza delirante come un'applicazione della teoria della mente attraverso il cinema. Infine, Alberto Sacchetto (La donna dai tre volti e Psyco: rappresentazione cinematografiche del disturbo dissociativo dell'identità) fra etica psicoanalitica e criminologia lavora su una frontiera ancora non del tutto definita. Un articolo tutto da scoprire con la consapevolezza che, terminata la caccia alle streghe, si possa coraggiosamente incrociare lo sguardo acuto, ma quantico, della scienza psi-made con il non altrimenti definibile come "essere altro". E che tutti gli sforzi di conquistare la normalità ci perdonino...
Sull'altro fronte, ossia la mente del regista, ma saggiamente senza fare autoptico, Stefano Marino (L'orrore della generazione: tre film di Nanni Moretti) rilegge Moretti, nelle opere degli anni ottanta, accuratamente senza timori o campanilismi ideologici, sviscerandone l'esistenzialismo e la vitalità implosiva.
In tutto sono oltre cinquanta i titoli di film citati, una trentina quelli trattati in modo più approfondito. Da leggere in serie o in parallelo, magari i meno metodici aprendolo a caso, il libro tiene. Può allora succedere che ci si trovi immersi in una chicca per chi non ha dimenticato il Partendone, come il saggio di Umberto Curi (Il piacere delle immagini) vera palestra per gli amanti della speculazione filosofica. Oppure nella ricerca dell'identità dell'uomo del terzo millennio di Elisabetta Marchiori (Io: Chi? Riflessioni sull'identità attraverso il cinema) che, senza erudizione, intreccia letteratura e psicoanalisi. Articolo questo paradigma del modus operandi dell'intero libro: eterogeneità di fonti, multipli approcci, nessuna risposta confezionata. Piattaforma, non vademecum.
é quindi un libro pensato per un determinato pubblico di lettori, ma capace di suscitare interesse in tutti gli amanti del cinema che fa riflettere, o forse più semplicemente di tutti quelli che amano ripensare ai film visti. 

Un'altra considerazione. La mente altrove è suddivisa i tre sezioni: "Dolly", "Zoom" e "Close-up". 
Nella sezione "Dolly" si instaura un ponte con gli studi precedenti. Nella sezione "Zoom" sono raccolti i contributi prevalentemente clinici e di valenza gruppale-mediatica. Nella sezione "Close-up" i saggi vertono prevalentemente sulla funzione della memoria. Un'ipotetica sequenza di ripresa di stretto taglio (ma potremmo dire anche eziologia ) psicanalitico. 

Nell'insieme, infine, i saggi propongono, in meta-lettura, un modus indagandi cibernetico con quattro "dimensioni" proposte. Nessuna novità, ma l'averle sapute avvicinare e l'averle lette così una dopo l'altra, mi spingono a riassumerle così: 

- la trasduzione della tridimensionalità in linguaggio espressivo. 
Vittorio Volterra (Trauma e stress in psichiatria e nel cinema) propone, attraverso un'accurata analisi dell'isomorfismo cinema-mente, buoni spunti originali su lessico delirante e montaggio. Un segmento del sapere da scoprire ma esistente e interagente al di là delle posizioni psicopatologiche e commerciali dei cineasti. 
Elena Grassi, Massimo De Mari (Psyco: la costruzione visiva del doppio) invece trattano lo stile di regia come elemento portante della narrazione. La frontiera e il suo epigone, senza scomodare il giano bifronte di turno. La conferma che occorre del buon cinema per mettere in moto il pensiero. Basculamento continuo fra visione e visioni...

- La temporizzazione dell'esperienza visiva.
Ignazio Senatore (Dei navigatori della mente: Freud, Antonioni, Wenders ed altri eroi) effettua una ricerca filologica del montaggio risalendo alle radici di questa innovazione e dell'impatto sulle menti dei primi spettatore, ultimo esempio storico di tabula rasa. Il più prolifico scrittore tematico italiano fornisce spunti da approfondire. 
Alberto Spadoni (A proposito di Fellini: le radici riminesi) ritorna sul rapporto memoria-evento. Niente è a caso. Ricordi in acrobazie fra vecchio e nuovo, far da sé e insieme, fra ciò che resta e ciò che fertilizzava...

- Lo stato emotivo dello spettatore. 
Massimo De Mari (L'isola che non c'è e l'idoneità al volo) offre una chiave epistemologica all'adolescenza. Rivedere, rivedersi, oppure dire che si trova ciò che si ha.  
Nel lavoro di Pietro Roberto Goisis (Un'ora sola... ma di magia) ci si affaccia ad una vetrata. Si vede, si passa attraverso Liseli, la protagonista, Alina, la figlia e regista e Roberto, Goisis, il narratore di se stesso. Spettatore e contenitore per cui tutto succede dentro e per gemmazione anche nel lettore. Coraggioso ma costoso processo. Il prezzo per la propria umanità (ri)scoperta.
Lo studioso si mette da parte per rimaterializzarsi solo al termine di un percorso che è un lasciarsi attraversare dall'evento (...e ancora si è costretti a parlare di buon cinema per transmigrare poi verso la psiche).
Maria Vittoria Costantini, Paola Golinelli (Memorie e ri-costruzioni in psicoanalisi e nel cinema: Strange days e Betrayal) articolano uno scritto ricco di spunti, spiegando semplicemente concetti difficili, riuscendo a intessere un filo logico dalle neuroscienze alla stanza di analisi, tramando sulla mansione. Uno degli interventi più stuzzicanti e quindi interattivi del libro. Per approcciarlo è necessaria una conoscenza di base dei film sulla psicoanalisi, tuttavia ciò non è discriminante in modo assoluto. Gli ingredienti sono sempre i soliti, come in una pietanza. é l'arte del cuoco a renderla gustosa, desiderabile o semplicemente nutriente. Ecco, siamo di fronte ad una delicata pietanza di "nouvelle cuisine". 

- La dimensione gruppale dell'esperienza visiva.
Gian Piero Brunetta (Il cinema nei territori della psiche) sviscera gustosi aneddoti da cui emerge che il cinema sarebbe una macchina infernale, stimolatore degli istinti, plasmatore di masse; insomma, se il valore è dato dai nemici, il cinema ne ha vantato di eccelsi: Chiesa e Igiene. Il cinema come ambiente fecondante, insomma, in cui l'umido è sostituito dal visivo, l'atto dallo scatenarsi delle sequenze e la frizione dal ricordo ripescato in tranquillità. 
In seconda battuta Brunetta (... E splendean le stelle) risale alla mitopoiesi, prima che Hollywood scoprisse di essere tale. Il divismo cinematografico al femminile nei primi vent'anni del secolo XX: ingrandimento su ciò che la parola " vintage" oggi sintetizza. 
Infine Luciano Arcuri (Il cinema in una società che cambia) mette in luce l'utilizzo stigmatizzante del cinema contestualizzato alla rappresentazione mass-mediatica. 

Il difetto, per ultimo: la copertina meno accattivante degli ultimi anni.

Luigi Starace

Indice:

Andrea Sabbadini, Presentazione
Elisabetta Marchiori, Massimo De Mari, Introduzione

Parte I. Dolly, uno sguardo d'insieme
Luigi Pavan, La psichiatria attraverso il cinema
Massimo De Mari, Il cinema e la psicoanalisi
Gian Piero Brunetta, Il cinema nei territori della psiche
Luciano Arcuri, Il cinema in una società che cambi
Umberto Curi, Il piacere delle immagini
Elisabetta Marchiori, Io: chi? Riflessioni sull'identità attraverso il cinema

Parte II. Zoom: analisi ravvicinante del rapporto tra psiche e cinema
Simona Argentieri, Prigionieri del passato: la nevrosi si guerra nella rappresentazione cinematografica
Gian Piero Brunetta, ... E splendean le stelle
Giovanni Colombo, Ida Bertin, Il viaggio nel cinema e in psicoterapia
Riccardo Dalle Luche, Cinema e delirio
Vittorio Volterra, Trauma e stress in psichiatria e nel cinema
Ignazio Senatore, Dei navigatori della mente: Freud, Antonioni, Wenders ed altri eroi

Parte III. Close up : Primi piani su film e registi
Massimo De Mari, L'isola che non c'è e l'idoneità al volo
Maria Vittoria Costantini, Paola Golinelli, Memorie e ri-costruzioni in psicoanalisi e nel cinema: Strange days e Betrayal
Pietro Roberto Goisis, Un'ora sola... ma di magia
Alberto Sacchetto, La donna dai tre volti e Psyco: rappresentazione cinematografiche del disturbo dissociativo dell'identità
Elena Grassi, Massimo De Mari, Psyco: la costruzione visiva del doppio
Stefano Marino, L'orrore della generazione: tre film di Nanni Moretti
Alberto Spadoni, A proposito di Fellini: le radici riminesi.

Realizzato dal regista e critico cinematografico Vincenzo Totaro